Especial para o EM
Na poética de Sylvia Plath (1932-1963), encontramos a voz de uma escritora comprometida com a contemplação do mistério da vida. Para a poeta norte-americana, a escrita foi uma atividade vital. Em uma entrevista concedida ao British Council, ela afirma sobre o exercício da poesia: “Acho que não poderia viver sem. É como pão e água, algo absolutamente essencial para mim.”. A visão de Plath, que reforça a lírica como fundamental à existência, é manifestada na coletânea “Poesia reunida”.
Lançado pela Companhia das Letras, o conjunto é o mais completo publicado no Brasil. O volume reúne os dois livros de poesia de Sylvia Plath: “O colosso” (1960), inédito no país, e “Ariel” (1965), que a consagrou com o público. Além das duas obras, há uma seleção de 42 poemas esparsos, escritos entre 1954 e 1963.
Sylvia Plath é uma das autoras incontornáveis das letras inglesas, uma poeta por excelência. Contudo, a recepção de sua obra enfrenta entraves. De modo paradoxal, estes estão vinculados à própria notoriedade de escritora. O nome de Sylvia Plath foi convertido em mito. Ao lado de escritoras como Virginia Woolf e, aqui no Brasil, Clarice Lispector e Ana Cristina Cesar (uma das tradutoras de Plath), ela é vista como um símbolo da escrita feminina.
A leitura da obra de Plath é também orientada por seu único romance, “A redoma de vidro” (1963), que está para o restante de sua produção assim como “O Grande Gatsby” está para a escrita de Fitzgerald. Soma-se a esses fatores a própria biografia da autora, principalmente o controverso casamento com o também poeta Ted Hughes, apontado por muitos como o seu algoz, e o trágico suicídio de Sylvia aos trinta anos.
Plath está no seleto rol de escritores verdadeiramente cultuados, com uma legião de admiradores – e acentuamos aqui, admiradoras. Mas, também é claro que os versos da poeta tornam-se ofuscados por sua celebridade. Um exemplo disso é que os diários de Sylvia Plath chegaram ao Brasil antes mesmo de uma tradução de “O colosso”. Nesse sentido, a edição da Companhia das Letras aplaca a ausência da poesia de Plath nas estantes brasileiras.
Os versos da poeta são repletos de agonia. Ainda que ela seja vinculada – assim como Anne Sexton – à poesia confessional, o exercício lírico de Sylvia Plath capta com maestria o caos de seu tempo histórico. A angústia da autora recorda “A era da ansiedade”, longo poema de W.H Auden que deu nome ao obscuro contexto que os dois compartilharam, marcado por guerras, sucessivas crises e pela barbárie.
A morte espreita a poética da autora norte-americana. “Morrer/ é uma arte, como tudo./ É algo que conheço a fundo.”, escreve Sylvia Plath. O tom fúnebre alcança um panorama mais amplo em “Paizinho”, um dos seus mais conhecidos poemas. Neste, ela toca os horrores da Segunda Guerra Mundial e do Holocausto, como se fosse uma “Judia indo para Auschwitz, Belsen, Dachau”.
Em outro verso, dos poemas esparsos, ela compara a sua produção a fetos natimortos: “Esses poemas não têm vida: é um triste diagnóstico.”. O contundente tratamento da morte (“Alguém acabou”, escreve Plath, por exemplo) contrasta com a vida que pulsa nas miudezas. No poema de abertura de “Ariel”, “Canção da manhã”, a aurora é a metáfora de um nascimento: “O amor deu corda em você feito um relógio de ouro./ A enfermeira bateu nos seus pezinhos e você veio chorando/ Ocupar um lugar no mundo.”
As cinzas de Hiroshima, o amor que galopa como cavalos, cometas que percorrem o espaço, tulipas vermelhas. São nas imagens inusitadas, pintadas por uma verdadeira mestre da lírica, que a poesia de Sylvia Plath mostra a sua potência. Caixões e redomas são metáforas para a claustrofobia de versos sufocantes. Por outro lado, o mar, uma constante nessa poesia, é o símbolo da imensidão que transborda – em uma de suas fotografias mais famosas, Sylvia Plath está na praia, em um conjunto de trajes de banho, os cabelos louros em cascata contra a pele bronzeada.
Eclética, Plath mobiliza diferentes referências em seus versos. Estas vão desde o transcendental, que ressoa Emily Dickinson, até a zoologia. Em especial, abelhas. O pai de Sylvia, Otto Plath, era especialista na espécie. “As abelhas são todas mulheres”, a autora escreve. A mitologia grega é outro destaque. Em um dos mais belos versos de sua obra, Plath menciona as águas do esquecimento: “Um doce rio Lete é a minha vida”.
A poética de Sylvia Plath olha para as miudezas. Combinações inusitadas, que fogem ou subvertem lugares-comuns da lírica, constroem imagens contundentes. Plath reconfigura artisticamente o cotidiano. O talento da autora para a narratividade não recai em versos simplesmente descritivos. Ela alcança a qualidade essencialmente poética. A forma dos poemas, principalmente em “Ariel”, é marcada por versos entrecortados, no ritmo dinâmico que consagrou Plath.
Tradução sensível
A recriação de uma poética como a da autora norte-americana, repleta de originalidade, só poderia ser efetivada por uma tradutora igualmente sensível às questões líricas. Nesse sentido, o trabalho da poeta brasileira Marília Garcia merece ser destacado. A opção por uma edição bilíngue mostra-se, neste caso, essencial — um grande acerto da coletânea.
Sylvia Plath acessa o tempo suspenso da poesia. A obra da autora norte-americana transita entre a vida moderna da América pós-guerra e uma temporalidade perdida, quase árcade. Seus melhores versos expressam a “era da ansiedade” vivida pela poeta, unindo as angústias do eu-lírico às angústias universais. Uma das mais célebres sentenças de “A redoma de vidro”, “Eu sou, eu sou, eu sou”, é repetida na coletânea, afirmando a vitalidade da poesia em meio à realidade sufocante. Sylvia Plath, a escritora, pode ter saído dos círculos literários precocemente, mas a força de sua obra poética sobrevive em seus versos. A poeta escreve: “Eu, essa mulher-que-sorri./Só tenho trinta anos./E, assim como um gato, sete vidas para viver.”
“Poesia reunida”
- Edição bilíngu
- De Sylvia Plath
- Tradução e organização: Marília Garcia
- Companhia das Letras
- 512 páginas
- R$ 139,90
Sylvia e seus versos
Ariel
Pausa no escuro.
Depois um jorro azul impreciso
Feito de rochedos e lonjura.
Leoa divina,
Somos só uma,
Eixo de joelhos e calcanhares! — O sulco
Se abre e vai adiante, ao lado
Do arco pardo
Do pescoço que não alcanço,
Olhos de
Jabuticaba lançam anzóis
Escuros —
Sombras, respingos de um sangue preto
E espesso.
Outra coisa
Me arrasta pelo ar —
Pernas, cabeleira;
O calcanhar a descamar.
Godiva
Branca, vou me desfolhando —
Mãos mortas, dogmas mortos.
Agora sou
A espuma do trigo, o brilho do mar.
O choro da criança
Derrete na parede.
E eu sou
A flecha,
O orvalho suicida
Que se lança pronto para um
Mergulho dentro do
Olho vermelho, no caldeirão da manhã.
Morte & cia
Dois, é claro que são dois.
Parece tão óbvio agora —
Um nunca olha para cima, com olhos cerrados sob
A pálpebra, como os de Blake,
E mostra as marcas
De nascença como sua marca registrada —
A cicatriz de água fervente,
O nítido
Verdigris do condor.
Eu sou carne sangrenta e ele me cutuca
Com o bico: ainda não sou dele.
Diz que não sou fotogênica.
Diz que os bebês são
Fofinhos no frigorífico
Do hospital, um simples
Babado no pescoço
E as ranhuras jônicas
Da camisola mortuária,
Além dos pezinhos.
Ele não sorri nem fuma.
O outro, sim.
Cabelo comprido e notável.
Sacana
Masturba todo o seu glamour,
Ele quer ser amado.
Eu sigo firme.
O frio cria uma flor,
O sereno cria uma estrela,
O sino da morte,
O sino da morte.
Alguém acabou.
Eu quero, eu quero
De boca bem aberta, o deus bebezinho,
Imenso e careca, apesar do rosto infantil,
Implora pelo peito da mãe.
Vulcões secos estalam e cospem,
E a areia irrita os lábios sem leite.
Ele pede, então, o sangue do pai,
Este que criou a vespa, o lobo e o tubarão,
Que arquitetou o bico do atobá.
Com secura no olhar, o inveterado patriarca
Deu vida aos homens de carne e osso,
Fez os espinhos da coroa de arame,
E os espinhos no sangrento caule da rosa.